MURALISMO MEXICANO

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

José Clemente Orozco,  (1883-1949)

Destrucción del viejo orden, 1926

 Escuela Nacional Preparatoria, en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, Ciudad de México.

Fuente: https://es.khanacademy.org/humanities/art-1010/art-between-wars/latin-american-modernism1/a/mexican-muralism-los-tres-grandes-david-alfaro-siqueiros-diego-rivera-and-jos-clemente-orozco

DAVID ALFARO SIQUEIROS

David Alfaro Siqueiros, 

Tormento y Apoteosis de Cuauhtémoc, 1950-51 

Museo del Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México

Fuente: https://es.khanacademy.org/humanities/art-1010/art-between-wars/latin-american-modernism1/a/mexican-muralism-los-tres-grandes-david-alfaro-siqueiros-diego-rivera-and-jos-clemente-orozco

DIEGO RIVERA

Diego  Rivera,

Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central , 1947

15.60mx4.70m

Museo Mural  Diego Rivera

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Sue%C3%B1o_de_una_tarde_dominical_en_la_Alameda_Central

IMPRESION, SOL SALIENTE

(Francés, 1840 - 1926)

Impression, soleil levant, 1872 

Oil on canvas, 48 × 63 cm (18.9 × 24.8 in)

Musée MarmoHan Monet, Paris 

Tema. Al contrario de la pintura clásica, este cuadro no narra ninguna historia, es simplemente una pura instantánea de la realidad al modo de como podría realizarla un fotógrafo, sin ningún tipo de contenido religioso, mitológico o costumbrista. Es este sentido, lo podemos considerar como antiliterario, siendo el verdadero protagonista la luz.

Composición. Ligeramente asimétrica y desplazada hacia la izquierda con el motivo dominante del reflejo del sol que contrasta por su tono cálido. Monet actúa como un fotógrafo, encuadrando la imagen y reduciendo el cielo para darle protagonismo al agua y sus reflejos. Para ello utiliza un punto de vista más elevado que el motivo, tomando una vista en picado.

Línea y color. Predomina claramente el color sobre la línea, con una pincelada tremendamente suelta que vuelve abocetados los distintos motivos. Los colores predominantes son fríos (violetas y azules) que contrastan con pequeñas zonas cálidas anaranjadas. Luz de función representativa pero, al contrario de la pintura clásica, no como soporte para la creación de volumen a través del claroscuro (no realiza modelado), sino como verdadera y única protagonista del cuadro, en especial los reflejos que tiene sobre el agua.

Perspectiva. Ciertamente carece de importancia y tanto la forma de aplicar el color como la toma en picado (de arriba abajo) tienden a la creación de un espacio bastante plano y alzado.

Figuras. Al igual que el espacio no tienen excesiva importancia, siendo totalmente abocetada. No existe interés por las texturas.

Fuente: http://sdelbiombo.blogia.com/2013/112801-monet.-impresion-sol-naciente-analisis-y-comentario-.php

En lo particular, a mi me asombra cómo es que si vemos la pintura de cerca no se distingue la figura, no tiene sentido. En cambio cuando te alejas de ella se ve claramente el paisaje y las diferentes tonalidades de colores, resaltando sin duda el naranja del sol y el cielo.

ODILON REDON

Odilon Redon (1840-1916)

Autorretrato, 1867

Col. Musée d'Orsay

Fuente: http://artcontemporanigeneral.blogspot.mx/2012/06/odilon-redon-1840-1916-y-su-influencia.html

“Toda mi originalidad consiste en dar vida, de una manera humana, a seres inverosímiles y hacerlos vivir según las leyes de lo verosímil, poniendo, dentro de lo posible, la lógica de lo visible al servicio de lo invisible.”

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Odilon_Redon

PANDORA

Odilon Redon (1840–1916)

Pandora, ca. 1914

Oil on canvas, 56 1/2 x 24 1/2 in. (143.5 x 62.2 cm) 

Metropolitan Museum of Art, NY

ARAIGNÉE

Odilon Redon (1840-1916) 

Araignée (1887). 

Técnica mixta sobre papel (49,5 x 39). 

Col. Louvre.

Fuente:http://artcontemporanigeneral.blogspot.mx/2012/06/odilon-redon-1840-1916-y-su-influencia.html

Escogí esta imagen básicamente porque soy aracnofóbica y no sé porqué pero sentí la necesidad de ponerla aquí. Sin duda la imagen me causa mucho conflicto y hasta cierto punto miedo y repulsión (no refiriéndome a la pintura, sino a la araña y lo que causan en mi). Creo que por algo se cruzó en mi camino mientras buscaba información.

AUGUSTE RODIN

Foto portrait of Auguste Rodin by Félix Nadar, 1893

Fuente: http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Auguste_Rodin_1893_Nadar.jpg

Rodin fue un escultor francés contemporáneo del Impresionismo y fue considerado como un artista importante, a tal punto que lo llegaron a llamar como uno de los padres de la escultura moderna. Desconozco sobre su vida personal pero aquí dejo algunas de sus bellas creaciones: 

LAS PUERTAS DEL INFIERNO

Auguste Rodin (1840-1917)

Las puertas del infierno, 1880-1917

Bronce, 6.35x4x1m

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/La_puerta_del_Infierno_(escultura)

Esta escultura fue hecha primeramente con yeso por el escultor Auguste Rodin y con colaboración de Camille Claudel. Fue encargada por el estado pero cancelaron su elaboración y él se negó a dejarla, continuó añadiéndole cosas hasta su muerte. Fue hasta después de su muerte que fue bañado en bronce y se hicieron más réplicas.

Me gusta mucho pues respecto a la poca información que tenemos, me doy cuenta que Rodin hizo esta escultura sin tener presiones, le agregó lo que él quería, sin contratiempos y lo hizo hasta su muerte. Supongo que con cada una de las añadiduras quiso expresar cosas diferentes pero a la vez con un mismo fin.

EL BESO

Es una escultura del artista francés Auguste Rodin (1840-1917). La pareja abrazada de El Beso apareció originalmente entre un grupo de relieves decorando la monumental puerta de bronce de la mansión Cozzi, Las Puertas del Infierno, (o, en francés, La Porte de l’Enfer) del escultor francés Auguste Rodin, para un nuevo museo de artes decorativas en París. La pareja fue más tarde separada de las puertas, aunque se reemplazó con una pareja de amantes en la columna inferior derecha. Las numerosas figuras que Rodin creó para el proyecto se convirtieron en un depósito de ideas para algunas de sus esculturas individuales mejor conocidas, incluyendo El Beso y El Pensador.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/El_beso_%28Rodin%29

En mi visita al museo Soumaya tomé estas fotografías e hice dibujos.

PAUL CÉZANNE

Paul Cezzane (1839-1906)

Autorretrato con capucha, 1873-75

Óleo sobre tela, 55x38cm.

Hermitage Museum, Saint Petersburg

Cézzane es considerado el padre de la pintura moderna aunque mientras él vivió fue un pintor muy solitario, no se fiaba de nadie y casi nunca expuso sus obras.

ARLEQUÍN

Paul Cézzane (1839-1906)

Arlequín, 1888-1890

Óleo sobre lienzo, 101x65cm.

Nacional Gallery of Art, Washington DC

Fuente: http://www.balloon-juice.com/2011/02/11/conservative-science-yur-doin-it-rong/paul_cezanne_harlequin/

Me gusta la pose del arlequín el cual le da cierto dinamismo a la foto. Me llama mucho la atención que haya querido pintar esto debido a los colores contratantes de la ropa del arlequín y también las formas geométricas de éste vestuario. Sostiene un bastón debajo de su brazo derecho el cuál le da todavía más dinamismo. El contraste del arlequín con la pared trasera también la debo resaltar. Utiliza azules y verdes para generar cierta luz y profundidad.

PAUL GAUGUIN

Paul Gauguin (1848-1903)

Los miserables, Autorretrato, 1888

Óleo sobre lienzo, 15x55cm.

Museo Nacional Van Gogh

Gauguin fue un pintor y escultor francés. Admiraba a Manet, Cézanne, Monet y Pissarro y sus primeras obras estuvieron notablemente influenciadas por éste último. Conoció a Vincent en París y quedó fuertemente impresionado por el modo en que éste conseguía plasmar sus inquietudes vitales. 

Esta pintura la hizo pues él, Vincent y Émile Bernard hicieron un acuerdo de intercambio de autorretratos. Se llama así, Los Miserables, pues Paul quiso simbolizar un bandido de la obra de Victor Hugo "Los Miserables".

¿CUÁNDO TE CASAS?

Paul Gauguin (1848-1903)

¿Cuándo te casas?, 1892

Pintura al aceite, 101x77cm

Dubai

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/¿Cuando_te_casas%3F

Esta pintura a mi parecer y tomando en cuenta el nombre, expresa a dos muchachas solteras que están en busca de un esposo. La mujer con el pareo rojo dudo mucho que haya estado de acuerdo con la decisión, es como si la estuvieran persuadiendo, en cambio la de vestido rosa se ve decidida y de acuerdo con buscar un marido. Me llama también mucho la atención el simple paisaje en la parte de atrás, con una "toma" muy abierta.

EL ESPÍRITU DE LOS MUERTOS VIGILA, MANAO TUPAPAU 

Paul Gauguin, (1848-1903)

Manao Tupapau, 1892

Óleo sobre lienzo, 73x92cm.

Albright-Knox Museum

Fuente: http://www.artehistoria.com/v2/obras/322.htm

Gauguin en esta pintura trata de expresar las creencias Tahitianas, allá le temían mucho a los espíritus chocarreros (jajaja) y en esta imagen podemos apreciar a una joven desnuda con una pose, creo yo, de nerviosismo, de que ya se percató de que hay alguien detrás de ella y en efecto, detrás de ella hay un fantasma de una mujer de traje y cara oscura pero con ojos centelleantes, pues según en esos tiempos decían que los destellos de luz en la oscuridad eran de espíritus malignos. Me gustó pues es una pintura completamente fuera de lo normal, enseñando no sólo las cosas comunes, sino también creencias y mitos de aquel lugar.

EL DESPERTAR DE LA PRIMAVERA, PÉRDIDA DE LA VIRGINIDAD

Paul Gauguin (1848-1903)

Pérdida de la virginidad, 1890

Óleo sobre lienzo, 90x130cm.

Chrysler Museum

Fuente: http://www.artehistoria.com/v2/obras/312.htm

Realizó esta obra en Paris, aquí vemos a Juliette Huet, la joven a la que Paul dejó embarazada antes de irse a Tahití. En su pintura se podría decir que el lobo simboliza cierta lujuria y perversidad, la flor marchita en la mano derecha de la chica podría significar su pérdida de la virginidad y las personas que podemos ver a lo lejos, según lo que leí, es un cortejo nupcial, lo cual le indica a Paul que debe marcharse de ahí antes de que sea demasiado tarde (jajaja). Me encanta la manera en que logra expresar tanto de él y su vida en una sola pintura.

VINCENT VAN GOGH

Self-Portrait, Spring 1887,

Oil on pasteboard, 42x33cm.,

Art Institute of Chicago

Fuente: http:en.wikipedia.org/wiki/Vincent_Van_Gogh

Vincent Van Gogh nació el 30 de marzo de 1853. Al principio Van Gogh no estaba interesado en nada relacionado con el arte, pero gracias a que entró a trabajar a la galería de sus tíos y a que una de sus tías se casó con un estudiante de "La Haya" fue que le llamó mucho la atención y comenzó toda su historia artística. Llegó a admirar mucho a Millet a tal grado de decir que Millet hizo mucho más por la pintura que Manet. Teniendo muchas altas y bajas y cambiando de residencia muy constantemente, llega un punto en el que conoce a Gaughin y tiempo después toman la decisión de vivir juntos en la Casa Amarilla y así juntar sus conocimientos. Y es aquí donde pasamos a algo importante... 

¿POR QUÉ SE CORTÓ LA OREJA VAN GOGH?

Existen muchas versiones, pero siguiendo con la historia anterior y una de las versiones más convincentes a mi parecer, Vincent y Gauguin vivían juntos pero con el tiempo su relación se tornó mala y cada vez empeoraba más, llegado al grado de que en una noche de copas tuvieron una muy fuerte discusión, Vincent amenazó a Paul con una navaja de afeitar y éste prefirió irse a un hotel. Van Gogh, por la culpa, decide arrancarse el lóbulo de la oreja derecha y se lo entrega a una prostituta para que ella se lo lleve a Gaughin como muestra de arrepentimiento.

Otra de las versiones, exactamente en la que maneja la película Dreams de Akira Kurosawa, Van Gogh se corta el lóbulo de la oreja pues asegura no lo puede dibujar bien en su autorretrato. 

MUCHACHA DE BLANCO EN EL BOSQUE

Vincent Van Gogh (1853-1890)

Muchacha de blanco en el bosque, 1882

Óleo sobre lienzo, 39x59cm.

Museo Kröller Müller

Fuente: http://artehistoria.com/v2/obras/5327.htm

Esta pintura en particular me causa mucho conflicto y confusión en mi interior. ¿Quién es esa mujer? A ciencia cierta no se sabe quién es y a mi parecer, estando ella bajo los árboles, en un bosque significa protección y, a su vez, refiriéndose a él, podría ser un intento de plasmar su soledad.

ADELINE RAVOUX

Vincent Van Gogh (1853-1890)

Adeline Ravoux, 1890

Óleo sobre lienzo, 67x55cm.

Colección privada

Fuente: http://en.wikipedia.org/wiki/Portraits_by_Vincent_van_Gogh

Adeline Ravoux, en esta pintura muestra timidez, y hasta cierto nerviosismo por la postura de sus manos. Me gusta muchísimo el pequeño contraste que Vincent logra con el azul del fondo y el mismo azul en el vestido de Adeline, pero me llama aún más el contraste de su cara, cabello, manos, silla y hasta los mismos botones de su vestido. Me asombra cómo con sólo dos colores, en diferentes tonalidades puede lograr una pintura que, a mi parecer, es perfecta. Me hubiera gustado que hicieran una pintura así de mi.

PASEO A LA LUZ DE LA LUNA

Vincent Van Gogh (1853-1890)

Paseo a la luz de la luna, 1890

Óleo sobre lienzo, 49.5x45.5cm

Museo de Sao Paulo

Fuente: http://www.artehistoria.com/v2/obras/5974.htm

Elegí esta pintura porque soy fan de los atardeceres y de la luna y esta pintura me ofrece ambos. Me encanta la forma en que logra plasmarlos con simples brochazos y todo lo que logra expresar. Los personajes caminando como en algo que llega a parecer una cita romántica y qué mejor que acompañados por ese hermoso atardecer. También me llamó la atención cómo es que con simples curvas de un color más fuerte logra unos árboles y arbustos perfectos. Hasta ahora, es mi pintura favorita.

CULTURA Y DISEÑO II

NUEVA DEFINICIÓN DE DISEÑO

Mi definición de diseño de este trimestre respecto al anterior definitivamente cambió considerablemente. Antes, como lo dije, creía que el diseño podía significar una cosa completamente deferente para cada persona pero ahora me doy cuenta que no pues si no sería un caos total. También me di cuenta que respecto a mi carrera, somos una pequeña pero fundamental parte del futuro, pues dentro de la arquitectura cualquier cambio o innovación formará parte de un 'nuevo todo' en la arquitectura.